Saturday, February 20, 2010
Album Commentary: Jason Falkner - I'm OK... You're OK
| Jason Falkner I'm OK... You're OK | |||
Visitando Madrid en el verano de 2007, un amigo parloteaba acerca la virtuosidad musical de un tal Jason Falkner, aparentemente un destacado del powerpop del cual por supuesto yo nunca había escuchado hablar. (Por otro lado, yo ni siquiera sabía lo que era el powerpop hasta que él y un amigo mutuo hicieron el propósito de sus vidas educarme en el asunto unas semanas antes.) Una de las preciadas posesiones que me presumía era la edición recién salida, y sólo en Japón, de su última obra maestra: I'm OK... You're OK. Compartimos nuestras interpretaciones del título y estudiamos el paquete cuidadosamente preparado (era un CD japonés, después de todo), pero no pudimos escucharlo, pues era ya tarde y habían otras personas durmiendo en el piso. Me llevé una copia conmigo y lo escuché exhaustivamente en las semanas siguientes; de no haber sido por In Rainbows, probablemente hubiera sido mi disco favorito/más escuchado de 2007. (Casualmente--o más probablemente no--Nigel Godrich es un colaborador frecuente y productor en albums tanto de Radiohead como de Jason Falkner.) ¿Y por qué estoy escribiendo una reseña apenas ahora, casi tres años después? Porque apenas ahora, casi tres años después, está saliendo el disco a la venta en Estados Unidos: Comprar en Amazon. (¿Acaso sorprende a alguien que el siguiente disco de Jason, All Quiet on the Noise Floor, esté ya a la venta en Japón?) | Visiting Madrid in the summer of 2007, a friend was rambling about the musical virtuosity of one Jason Falkner, apparently a powerpop stand-out who I of course had never heard of. (Then again, I didn't even know what powerpop was until he and a mutual friend made it their purpose in life to educate me on the matter a few weeks before that.) One of the prized possessions he was showing off was a recently-released, Japan-only edition of his latest masterpiece: I'm OK... You're OK. We shared our interpretations of the title and studied the carefully prepared package (it was a Japanese CD, after all), but we couldn't listen to it, as it was late at night and there were other people sleeping in the flat. I took a copy with me and listened to it extensively the next few weeks; had it not been for In Rainbows, it probably would have been my favorite/most-listened-to album of 2007. (Coincidentally--or more likely not--Nigel Godrich is a frequent collaborator and producer on albums by both Radiohead and Jason Falkner.) And why am I writing an album review only now, almost 3 years later? Because only now, almost 3 years later, is the album being released in the US: Buy on Amazon. (Would it surprise anyone that Jason's next album, All Quiet on the Noise Floor, is already on sale in Japan?) | |||
| El album arranca con un ritmo pulsante, urgente, coronado con una frase muy apropiada, "Nunca consideré esto/algo que no fuera todo", presumiendo la tendencia del Señor Falkner a hacer, o no hacer, pero nunca a solamente intentar. Estos principios resuenan a través del disco, no sólo en el aspecto técnico de que él mismo escribió, interpretó, tocó, grabó y mezcló el disco entero, pero también en las manifestaciones más metafísicas como sus preciosas melodías, meticulosos arreglos, vigorosos cantos, y letras íntimas, como "Stephanie me dice / la vida está llena de quizases / y yo soy uno de ellos", o "No soy yo / No eres tú / Es sólo esta fase por la que tenemos que pasar / Son sólo algunas cosas que no estamos a la altura para alcanzar." Debo admitir que el disco no me enganchó de inmediato, probablemente porque la producción y el género mismo se enorgullecen de carecer de excesos, pero después de pocas escuchas, encontré que las melodías estaban ya profundamente grabadas en mi memoria musical, e inevitablemente cantaba junto con él. Hay una cualidad alegre y arrebatada en las canciones que te hacen querer cantar a grito pelado junto con él--aún y cuando el asunto del que esté cantando no sea precisamente algo dichoso. Por otro lado, quizás sea precisamente por eso que que quieres ser partícipe de la acción. | This album opens with a propulsive, urgent rhythm, crowned with the very fitting line, "I never thought of this/as anything but everything", touting Mr. Falkner's proclivity to do, or do not, but never just try. These principles resound throughout the record, not only in the technical aspect that he wrote, performed, recorded, and engineered the entire album himself, but in the more metaphysical manifestations like its gorgeous melodies, meticulous arrangements, forceful singing, and intimate lyrics, like "Stephanie tells me/life is full of maybes/and I'm one of them", or "It's not me / It's not you / It's just this phase that we have got to go through / It's just some things that maybe we cannot live up to." I have to admit I wasn't immediately hooked by the album, probably because the production and the genre itself pride themselves in being "stripped-down", but after just a few listens, I found some of the tunes were already deeply ingrained in my musical memory, and I was inevitably singing along. There's a joyous, enraptured quality to the songs that make you want to belt out the songs as loud as him--even if what he's singing about is not exactly a cheerful matter. Then again, maybe it's precisely because of that that you want to have a hand in the action. | |||
| Una profesora de la maestría solía decirnos, "Un experto es aquel que domina lo básico. ¿Qué es un futbolista profesional, sino aquel que sabe correr con la pelota, dar y recibir pases, y meter goles?" Partiendo de esa base, Jason Falkner es definitivamente un experto en lo suyo: la creación de canciones de pop impecables. Lo digo así porque después de escuchar I'm OK... You're OK *muchas* veces, al llegar el final del año y compararlo con los discos de Radiohead y Arcade Fire para 'rankearlos', me di cuenta de que a pesar de los grandes temas y las letras narrativas y la entrega en la interpretación y el cuidado en su ejecución y grabación, le faltaba 'algo' que sí estaba presente en los discos de Radiohead y Arcade Fire... y concluí que más que un gran artista, Jason es un gran artesano de la música. Sus trabajos como músico de sesión y de gira con gente como Air, Beck, Travis, y Paul McCartney, entre otros, soportan un poco esta teoría: es un gran músico y compositor e ingeniero, sí, pero le falta ese elemento de innovación o revolución que distingue a los músicos que dejan una impresión duradera en las personas, y a veces hasta en generaciones enteras. Sus canciones son tan bellas, emotivas y ambiciosas como las de los otros dos grupos con los que lo estoy comparando; pero le falta ese elemento de rareza; el que provoca esa emoción que viene con la realización de que se está escuchando algo único, irrepetible y quizás nunca antes hecho. Aún así, es un disco que te levanta el espíritu, y definitivamente el mundo sería un mejor lugar si hubieran más artesanos como él: Jason es mucho más que el "OK" que se auto-asigna en el título de su disco. | A teacher in my master's program used to tell us, "An expert is the person that commands the basics. What is a professional soccer player, if not someone who knows how to run with the ball, send and receive passes, and score goals?" Using that premise as a starting point, Jason Falkner is definitely an expert in his realm: the creation of impeccable pop songs. I say that because after listening to I'm OK... You're OK *lots* of times, when the year's end came along and I had to compare it to releases by Radiohead and Arcade Fire to rank them for my own subjective 'best of' lists, I realized that despite the great songs and the narrative lyrics and the surrender in the delivery and the care in its execution and recording, 'something' was missing, something that could be found in Radiohead's and Arcade Fire's albums... and I concluded that more than a great artist, Jason is a great artisan. His work as a session and touring musician for acts such as Air, Beck, Travis, and Paul McCartney, among others, support this theory a bit: he's a great composer and musician and engineer, yes, but he's in want of that element of innovation or revolution that distinguishes musicians that leave a lasting impression in people, and sometimes in entire generations. His songs are as beautiful, emotive and ambitious as the ones by the other two bands I'm comparing him to; but they're missing the element of weird; the one that provokes that excitment that comes with the realization that you're listening to something unique, unrepeatable and maybe even never done before. Even so, it's an album that lifts your spirits, and the world would definitely be a better place if there were more artisans like this: Jason is much more than the "OK" he assigns himself in the title of the album. | |||
| Bonus track de la edición japonesa: I Don't Mind | Bonus track from the Japanese edition: I Don't Mind | |||
Labels: Album Commentary, CD Review
Sunday, June 22, 2008
Album Commentary: Eef Barzelay - Lose Big
| Eef Barzelay Lose Big | |||
OK, desde hace alrededor de un mes, no he podido dejar de escuchar Lose Big de Eef Barzelay. Ya he explicado un poco acerca de cómo y por qué comencé a escucharlo en mi nota del 2 de junio. No me siento muy cualificado para escribir acerca de él porque sé que tiene al menos 5 discos de larga duración grabados con/como Clem Snide que nunca he escuchado--lo cual me parece afortunado, porque cuando finalmente me canse de este disco y de Bitter Honey, su debut en solitario, tendré todo un catálogo para explorar y disfrutar--así que me limitaré a tratar de explicar por qué me gusta tanto este disco. Mientras que en Bitter Honey eran básicamente él y una guitarra acústica--posiblemente para acentuar el hecho de que era un disco de solista--Lose Big es en definitiva un disco de "banda", y los pedales de efectos se usan no solamente en las guitarras sino también en el bajo. Temáticamente, no puedo decir mucho acerca de cómo se compara con sus otros discos, pero está claro que tiene un ojo agudamente sintonizado a las ocurrencias del mundo y un afilado ingenio para retransmitir sus impresiones; parece descorazonado con lo que ve, pero se vale de esperanza y humor para afirmar que las cosas pueden ser mejores. El mejor ejemplo de esto quizás sea la línea con la que abre "Make Another Tree": "Bendíceme, Señor, pues sólo persigo lo que me prometiste / Así que rómpeme, Señor, y con las piezas haz un nuevo árbol." "Apocalyptic Friend" ofrece consuelo a un amigo con inclinaciones fatalísticas, mientras que "Numerologist" parte de plataformas esotéricas para demandar al final, "¿Acaso puedes poner un precio al haberte ayudado a no ser un extraño para ti mismo?" En "The Girls Don't Care", comparte libremente con otros aspirantes a estrellas de rock una lista de clichés a evitar si quieren hacerlo en grande. Me gusta el final de esta canción porque él y su banda parecen comenzar a una alegre improvisación, pero la corta pronto diciendo "All right, all right..." ("Está bien, está bien ya...") antes de que la cosa se ponga muy festiva, casi como si dijera, "No nos dejemos llevar; debemos permanecer sombríos para lidiar con este mundo malaventurado." Eef podrá no estar agraciado con la mejor voz del mundo, pero se puede percibir que se hace un esfuerzo para entregar sus líneas, un esfuerzo que es difícil no apreciar. | OK, so for about a month now, I haven't been able to stop listening to Eef Barzelay's Lose Big. I've already explained a bit of how and why I started to listen to him in my June 2 post. I feel a little unqualified to write about him because I know he has at least 5 full albums recorded as/with Clem Snide that I've never listened to--which is all the better for me, because when I finally get tired of this album and of Bitter Honey, his solo debut, I'll have a whole back catalog to discover and enjoy--so I'll just try to express why I like this album so much. While Bitter Honey was basically him and an acoustic guitar--possibly to accentuate the fact that it was a "solo" record--Lose Big is definitely a "band" record, and effects pedals are used not only on guitars but also the bass. Thematically, I can't say a lot about how it compares to his previous records, but he's definitely got a keen eye tuned to our world and a sharp wit to retransmit his impressions; he seems heartbroken by what he sees, but draws on hope and humor to claim he believes things can get better. This is probably best exemplified by the opening lines of "Make Another Tree": "Bless me Lord, I'm only after what you promised me / So break me, Lord, and with the pieces make another tree." "Apocalyptic Friend" offers comfort to a friend with fatalistic proclivities, while "Numerologist" jumps off esoteric touchstones to demand at the end, "Can you even put a price on how I've helped you to not be a stranger to yourself?" On "The Girls Don't Care", he freely shares with aspiring rock stars a list of clichés to avoid early in their careers if they want to make it big. I like the ending of this song because he and his band seem to start breaking into a happy improvised jam, but he cuts it short by letting out an "All right, all right..." before things get too jolly, almost as if he were saying, "Let's not get carried away now; we must remain somber to deal with this unpleasant world." Eef may not be graced with the best voice in the world, but one can sense an effort is being made to deliver the lines, an effort that is hard not to appreciate. | |||
| Cuando escribí acerca de Eef por primera vez hace un par de semanas o así, compartía una larga nota con un libro de Brenda Ueland que acababa de leer. Aunque no había una conexión directa entre ellos (más allá de que más o menos los había "descubierto" al mismo tiempo), por alguna razón sentía que debía hablar de ambos en la nota. Así que fue una sorpresa placentera cuando hace poco leí una entrevista con Eef donde ejemplifica algunas de las cosas que la Señora Ueland expone en su libro, como por ejemplo el hecho de que el arte rara vez surge de algo en lo que se trabaja por demasiado tiempo, sino que suele nacer de breves destellos de creatividad que aparecen casi espontáneamente cuando se dan las circunstancias correctas, convirtiéndonos en casi meros instrumentos de esas revelaciones. Leer que Lose Big surgió de un arranque como ese fue algo gratificante. (Un poco de historia: Hungry Bird es un disco que se supone que sería el último de Clem Snide, en el que Eef trabajó alrededor de dos años y aún no siente que esté listo para salir.) (El siguiente párrafo es una traducción mía de la entrevista original en inglés.) | When I first wrote about Eef a couple of weeks ago or so, he shared a long post with the book written by Brenda Ueland I had just read. Although there wasn't a direct connection between them (other than the fact that I kind of "discovered" them at the same time), I somehow felt like I had to talk about both of them in that note. So I was pleasanlty surprised when a few days ago I read an interview with Eef where he exemplifies a few of the things Ms. Ueland writes about in her book, like how art seldomly emerges from working on something for too long, but rather, is born from brief bursts that emerge almost spontaneausly when the appropriate conditions align, making us almost mere instruments of those revelations. To read that Lose Big emerged from such a burst felt somewhat gratifying. (A little background: Hungry Bird is an album that was slated to be Clem Snide's final release, on which Eef worked for about two years and still does not feel is ready for release.) | |||
| "Y bueno, Lose Big ocurrió rápidamente, en un momento en el que me di cuenta de que [Clem Snide] había llegado a su fin. Tuve una epifanía: había estado tan metido en Hungry Bird por tanto tiempo - como por dos años - hasta que la burbuja estalló, lo cual fue muy liberador. Así que escribí casi todas las canciones de Lose Big, literalmente, en alrededor de cuatro días. Tuve esta racha de cuatro o cinco días en los que escribí una tras otra - fue muy intenso. Sentía más como si estuviera canalizando personas que pudieran haber sido yo en un universo paralelo o una vida anterior. Para mí, Lose Big es todo acerca de mí, pero en el cuerpo de otra persona, viviendo otra vida - mi propia vida se sentía como si se hubiera roto en muchos pedazos, y estaba viendo todas esas piezas. Todo ocurrió muy rápido y, sorprendentemente, justo cuando estaba teniendo esta explosión creativa, tuve la oportunidad de entrar al estudio con personas de Ben Folds, al estudio de Ben - tiene un gran estudio en Nashville que me deja usar gratis. Así que fui con Jared [Reynolds], el bajista de Ben, y Joe Costa e hicimos este disco en alrededor de una semana, y salió bueno. Mi cabeza aún está dando vueltas, y todo esto ocurrió hace casi dos años. No sé cómo fue que todo ocurrió, en realidad, pero todo se resolvió de este modo gloriosamente veloz." | "Anyhow, Lose Big happened very quickly, right at a certain moment when I kind of realized that [Clem Snide] was over. I had an epiphany: I’d been so deep into Hungry Bird for so long - for like two years - then the bubble sort of popped, which was really liberating. So I wrote most of the songs on Lose Big, literally, in like four days. I had this four or five day stretch where I wrote one after another - it was really intense. I felt more like I was channeling people who might’ve been me in some other parallel universe or a past life. For me, Lose Big is all me, but in another person’s body, living another life - my own life felt like it’d broken into a lot of pieces, and I was looking at all the pieces. It all happened so quickly and then, amazingly enough, right at the moment that I was having this burst of creativity I had the opportunity to go into the studio with some of Ben Folds’ people, into Ben’s studio - he has this great studio in Nashville that he let me use for free. So I went in with Jared [Reynolds], the bass player for Ben, and Joe Costa and we made this album in like a week, and it came out good. My head is still spinning, and this all happened like two years ago practically. I don’t know how it all happened, really, but it came together in this glorious kind of quick way." | |||
| La edición americana de este disco incluye "I Love the Unknown", una canción hecha disponible al menos dos veces antes (como una canción de Clem Snide y en la banda sonora de Rocket Science.) La edición de iTunes incluye un tema adicional llamado "Born a Man" ("Y aquellos que son los más temerosos, dicen que ser valiente es pecado".) Puedes escuchar "I Love the Unknown", así como la canción que abre el disco, "Could Be Worse", en mi nota del 2 de junio. | The US edition of the record includes "I Love the Unknown", a song released at least twice before (as a Clem Snide song and on the Rocket Science soundtrack.) The iTunes edition includes an additional bonus track called "Born a Man" ("And those who are the most afraid, say courage is a sin".) You can listen to "I Love the Unknown", as well as album opener "Could Be Worse", in my June 2 post. | |||
Labels: Album Commentary, American indie, CD Review, Clem Snide, Eef Barzelay, Music
Monday, June 16, 2008
Album Commentary: Fresh Wine for the Horses (Re-Release)
| Rob Dickinson Fresh Wine for the Horses (Re-Issue) | |||
Ya lo mencioné la semana pasada, pero lo repetiré esta. La semana pasada salió a la venta la re-edición de Fresh Wine for the Horses de Rob Dickinson, el número 4 en mi lista de lo mejor de 2005. (Si la página da la apariencia de estar incompleta, es porque nunca la terminé.) Debajo copio la breve reseña que escribí entonces. En la reseña menciono que originalmente salió el mismo día que salió Takk de Sigur Rós, y en los casi tres años que han transcurrido, los islandeses han ido de gira por el mundo (quizás dos veces), hicieron una película preciosa de su música y su tierra natal, sacaron una colección de canciones nuevas para acompañar el lanzamiento de esa película, y grabaron otro disco de larga duración que sale, casualmente, este mismo mes. Compara eso con re-editar el mismo disco y acompañarlo con un disco de versiones acústicas de canciones aún más viejas y no es difícil brincar a la conclusión de que a alguien se le están acabando las ideas. Estoy re-publicando esta "reseña" de la re-edición sólo porque creo que es un álbum hermoso y merece mayor exposición. Quizás debería admitir también que lo he estado escuchando mucho últimamente por que canciones como "My Name Is Love" e "Intelligent People" tienen una resonancia distinta--más punzante--dentro de mí ahora que la que tenían entonces.[Reseña original a continuación.] | I already mentioned this last week, but I'll repeat it. Last week saw the re-release of Rob Dickinson's Fresh Wine for the Horses, number 4 on my best of 2005 list. (If that page seems like it's incomplete, it's because I never finished it.) Below I'm copying the brief review I wrote of it back then. In the review I mention it came out the same day as Sigur Rós's Takk, and in the almost three years that have gone by, the Icelanders have toured the world (probably twice), made a beautiful movie of their music and their homeland, put out a collection of new songs to accompany the release of that movie, and recorded a another full-length album that is to be released, coincidentially, this same month. Compare that to re-releasing the same album with a collection of acoustic songs of even older songs and it's not hard to jump to the conclusion that someone's well may be running dry. I'm re-posting this "review" of the re-release just because I feel it's a beautiful album and it deserves more exposure. I should probably also admit I've been listening to it a lot recently because songs like "My Name Is Love" and "Intelligent People" resonate differently--more acutely--inside me now than they did back then.[Original post follows.] | |||
| --------- Compré este disco casi accidentalmente. Recuerdo haber ido al Newbury Comics para buscar el CD nuevo de Sigur Rós, y vi que éste había salido ese mismo día. Ni siquiera sabía que Rob Dickinson estaba trabajando en un proyecto en solitario, aunque sí me había, en más de una ocasión, detenido para preguntarme qué había pasado con Catherine Wheel después de Wishville. Conocí a la banda alrededor del tiempo en el que se separaron, y me volví un gran fan de sus discos finales de pop-rock (pero no tanto de sus primeros como "shoegazers"). Una de las cosas que más me gustaban de ellos era la voz de Rob, así que lo compré y terminé escuchándolo muchas, muchas, muchas más veces que el CD de Sigur Rós. | --------- I bought this record almost accidentally. I remember I went to Newbury Comics to get the new Sigur Rós CD, and saw that this was released on the same day. I didn't even know a solo project by Rob Dickinson was in the works, although I had, more than once, stopped to wonder what had happenned to Catherine Wheel after Wishville. I came to know the band almost around the time they ended up splitting, and became a big fan of many of their later-day pop-rock pieces (not so much of their early shoegazing stuff). One of the things I liked the most about them was Rob's voice, so I went ahead and bought it and ended up listening to it many, many, many more times than Sigur Ros's CD. | |||
| No hay mucho que pueda decir acerca de este disco. No hay revoluciones o siquiera evoluciones aquí; es básicamente un conjunto sólido de buenas canciones--desde baladas épicas hasta dinámicas canciones de rock multi-nivel--entregadas apasionadamente por la rica y rasposa (pero gentil) voz de Rob encima de muchas guitarras. No puedo elegir una o dos o siquiera cinco canciones favoritas en este disco; es simplemente uno de esos CDs que puedo escuchar repetidamente y disfrutarlo siempre igual. Las composiciones son tan buenas que pueden sostenerse simplemente con una guitarra acústica, como lo hizo en TT the Bear's en octubre. La mayor parte de las letras pueden parecer simplistas al principio, pero mi sentir es que vienen de alquien que ha madurado y ha decidido quitarle lo complicado a la vida. Debo admitir que las canciones tienen un gancho más emocional que técnico, y en casos como estos, intentar disecarlas puede no sólo no tener sentido, sino ser contraproducente, pues las partes son mucho menos que el conjunto. Escucha. | There's not a lot I can say about this record. No revolutions or even evolutions here; it's basically a solid collection of great songs--from epic ballads to cascading rock songs--passionately delivered by Rob's rich and raspy (but gentle) voice over lots of guitars. I can't pick one or two even five favorite songs off this record; it's just one of those CDs I can listen to over and over again and enjoy each time. The songcraft is so good that they can be delivered with just one acoustic guitar, like he did at TT the Bear's in October. Most of the lyrics may seem simplistic at first, but my sense is that they're coming from someone who's matured and decided to take the complicated out of life. I have to admit the songs have more of an emotional hook than a technical one, and in cases like this, trying to dissect them any further may not only be pointless, but counterproductive, as the parts amount to much less than the whole. Have a listen. | |||
Labels: Album Commentary, British indie, CD Review, Music
Tuesday, May 20, 2008
Album Commentary: My Morning Jacket - Evil Urges
Labels: Album Commentary, American indie, CD Review, Music
Sunday, December 09, 2007
Album Commentary: Goldfrapp - Seventh Tree
| Goldfrapp Seventh Tree | |||
"Utopia" es uno de esos temas que nunca olvdaré cuando lo escuché por primera vez; estaba en el Virgin Megastore de los Campos Elíseos cuando apareció en las pantallas y tuve que averiguar quién era. Compré Felt Mountain en ese mismo momento y al escuchar la primer pista estaba algo emocionado por haber encntrado una banda con un sonido relativamente propio y novedoso. Luego cuanndo salió Black Cherry, quedé impactado porque era un cambio radical en sonido, hacia sintetizadores más crudos y sonidos más lascivos, y aunque el sonido del disco era muy diferente al del primero, el sonido de la banda aún estaba ahí, haciendo crecer mi amiración, e inevitablemente dejándome con la curiosidad de qué harían "después". Y lo que hicieron fue desilusionarme al no sorprenderme en lo absoluto. Supernature fue una repetición del sonido de Black Cherry, pero sin tantas buenas canciones. Recnozco que habían dos o tres temas pegajosos, pero quizás los hubiera apreciado más como lados-b de los sencillos de Black Cherry. Como que perdí interés en la banda, y debo admitir que la única razón por la que escuché su nuevo (y aún sin salir) album, Seventh Tree, es porque me topé con un blog desde el que te lo podías descargar tan sólo haciendo click en un enlace. | "Utopia" is one of those tracks I'll never forget the first time I heard; I was at the Virgin Megastore on the Champs Elysees when it started playing on the video screens and I just had to find out who it was. I bought Felt Mountain then and there and after listening to the first track I was rather excited with having found a band that had a relatively fresh and unique sound. Then when Black Cherry came out, I was blown away because it was a radical change in sound, towards raw-er synths and raunchier sounds, and although the sound and tone of the album was very different from the first one, the sound of the band was still there, making my admiration grow, and inevitably making me look forward to what they would do "next". And what they did was disappoint me by not surpising me at all. Supernature was a repetition of the Black Cherry sound, but without as many good songs. Granted, there were two or three catchy tunes, but I probably would have appreciated them more as b-sides to the Black Cherry singles. I kind of lost interest in the band, and have to admit that the only reason I listened to their (yet-unreleased) new album, Seventh Tree, is because I stumbled on a blog where I could download the entire album off by just clicking on a link. | |||
| Sorpresa: éste es exactamente el album que yo esperaba que sacaran como su tercer disco de larga duración. De nueva cuenta, valientemente dan un giro de noventa grados, con un cambio significativo en estilo, el uso de nuevos instrumentos y arreglos, y un sonido y tono consistente a través del disco, haciéndolo una escucha muy agradable. Evocando los ambientes más etéreos y atmosféricos de Felt Mountain--pero sin el drama--es un bien recibido cambio de estilo con respecto a sus dos discos anteriores--lo cual es admirable, considerando que Supernature es su disco más vendido a la fecha. El uso extendido (o sampleo) de guitarras acústicas, cuerdas y baterías tradicionales me parece que es algo nuevo para esta agrupación, trayendo a la mente un un desvío como el que tomó Air después de Moon Safari cuando grabaron el muy "setentero" soundtrack de Virgin Suicides. (El tema abridor, "Clowns", me recuerda un poco a Fairport Covention.) Agrega melotrones y un que otro sonido sintético tratandos con efectos lo-fi para evitar que suenen muy folk y te salen grandes temas como "Little Bird" o "Caravan Girl". | Surprise, surprise: this is exactly the album I was hoping would be their third long play. Once again, they bravely change gears and make a right turn, with a significant change in style, the use of new instruments and arrangements, and a consistent sound and mood throughout the record, making it a very pleasant listen. Evoking the dreamier, more atmospheric tone of Felt Mountain--but without the drama--it is a welcome change in style from their previous two albums--which is somewhat admirable, considering Supernature is their best-selling album to date. The widespread use (or sampling) of acoustic guitars, strings and traditional drumkits I think is a first for this band, bringing to mind a detour similar to the one Air took after Moon Safari when it released the 70's sounding Virgin Suicides soundtrack. (Album opener "Clowns" reminds me a bit of Fairport Covention.) Add mellotrons and mix in a few sparse synth sounds treated with some lo-fi effects to prevent it from sounding too folksy and you get great tracks like "Little Bird" or "Caravan Girl". | |||
| He estado escuchando este disco casi sin parar desde que me hice de él; aunque no tiene ningún tema realmente emocionante como "Lovely Head" o "Crystalline Green", en definitiva es su trabajo más consistente hasta ahora, en el sentido de que en todos sus discos anteiores, junto a las pistas brillantes, hay algunas de las que paso un poco, y ése no es el caso aquí: no hay un tema malo en este esfuerzo. También da gusto ver (o creer, al menos) que han decidido perseguir un camino creativo en lugar de uno puramente comercial, que es probablemente la razón por la que me gustaban al inicio. Lo malo es que estén atorados con una discográfica tradicional, y es difícil imaginarse cómo paralizando el lanzamiento varios meses cuando ya se filtró a Internet le va a resultar en ganancias a alguien. | I've been listening to this record almost non-stop since I acquired it; although it doesn't have any truly exciting tracks like "Lovely Head" or "Crystalline Green", it certainly is their most consistent release to date, in the sense that on all of their previous records there are, alongside the great tracks, a few I don't care for too much, and that's not the case here: there's not a bad tune on this effort. It's also nice to see (or believe, at least) that they've decided to pursue a creative path rather than a purely commercial one, which is probably why I liked them to begin with. It's too bad they're stuck with a traditional record company, and it's hard to imagine how stalling the release several months when it's already leaked onto the Internet will make anyone any money. | |||
 Alison Goldfrapp being abducted by what appears to be a giant owl | ||||
| Bonus track: "A&E", el primer sencillo | Bonus track: "A&E", the first single | |||
A&E | A&E | |||
Labels: Album Commentary, British indie, CD Review, Music Festivals
Wednesday, September 26, 2007
Album Commentary: Kings of Convenience versus...
| Kings of Convenience versus... | |||
Hace un mes o dos, vi un disco llamado Kings of Convenience versus... con remixes de sus canciones por 6 euros en el fnac; era del 2000, pero contenía versiones de Röyksopp (antes de que saliera su primer álbum siquiera), Four Tet (cuando todavía hacía cosas que entusiasmaban), Ladytron, y otros, y bueno, eran canciones de Kings of Convenenience, así que tenía que estar bueno, ¿no? ¡Pues sí! De hecho, está buenísimo. Es probablemente el mejor de disco de 6 euros que me he comprado jamás. Chequen las 5 canciones que comparto aquí. Las otras 7 son igual de buenas. | A month or two ago, I noticed an album called Kings of Convenience versus... that was a collection of remixes of their songs for 6 euros at fnac; it was from 2000, but it had versions by Röyksopp (before their first album was even out), Four Tet (back when he did really engaging stuff), Ladytron and others, and hey, they were Kings of Convenience songs, so it had to be good, right? Right! It's awesome, actually. It's probably the best 6-euro album I've ever bought. Check out the 5 songs I'm sharing here. The other 7 are just as good. | |||
Labels: Album Commentary, CD Review, Music
Sunday, September 16, 2007
Album Commentary: Kula Shaker - Strangefolk
| Kula Shaker Strangefolk | |||
(Traducido el sábado 15 de septiembre de 2007 en otro tren de Madrid a Valencia) | (Written on Saturday, September 8, on a train from Madrid to Valencia) | |||
| Dicen que la cabra tira p'al monte, y a pesar de hacerme de varios discos buenos en las últimas semanas, las canciones en el nuevo de Kula Shaker son las que están incrementando su 'contador de reproducciones' con mayor velocidad. ¡Y eso que no me gusta! En general, estoy algo decepcionado con él. Después de dos discos asombrosos pero algo desapercibidos (al menos fuera del Reino Unido), lanzados hace 11 y 8 años, Kula Shaker se deshizo. Su cantante/compositor/guitarrista, Crispian Mills, formó una banda llamada The Jeevas, cuyo debut fue algo sorpresivo; aunque contenía algunas canciones muy buenas, era muy "humilde" comparado con la pomposidad y ambición de Kula Shaker: no más expediciones orquestrales progresivo/psicodélicas de 7 minutos, sino piezecitas de pop/rock de 2 minutos y medio ejcutadas por un trio de rock sin mayor adorno. (Billy Corgan formó Zwan más o menos al mismo tiempo, y fue interesante porque porque él también se alejó de la grandilocuencia de los Pumpkins para favorecer melodías de pop/rock algo parcas.) El segundo disco de Jeevas, debo admitir, fue un aburrido desastre, dando la impresión que lo habían hecho con el único fin de protestar contra Bush y la guerra en Irak. Luego el año pasado, Kula Shaker anunció que volvía, sacando un EP de 4 canciones llamado The Return of the King del cual me medio gustaron dos canciones y no me gustaron las otras 2; ninguna de ellas se acercaba a cualquier cosa en sus primeros dos discos, el elemento faltanta más obvio siendo (a pesar del título) la pretensión que los había propulsado tanto en sus inicios. Dieron algunos conciertos el año pasado, y tuve la fortuna de verlos en el festival Purple Weekend en León (España); fue un conciertazo y aunque apenas si tocaron material nuevo, estaba genuinamente emocionado con las posibilidades que se estaban exhibiendo. | They say that what is bred in the bone will come out in the flesh, and despite getting my hands on some great records in the last weeks, the new Kula Shaker album is the one increasing the 'play counter' the fastest. And I don't even like it that much! Overall, I'm rather disappointed with it. After two amazing but somewhat unnoticed (outside the UK, at least) albums, released 11 and 8 years ago, Kula Shaker dismembered. Their singer/songwriter/guitarist, Crispian Mills, formed a band called The Jeevas, whose debut was a bit of a surprise because, although it had some great songs, was very "humble" compared to the pompousness and ambition of the Kulas: no more 7-minute progressive/psychedelic orchestral expeditions, but rather 2-and-half minute pop/rock tunes played by a plain-Jane rock trio. (Billy Corgan formed Zwan around the same time, and it was interesting because he also stepped back from the Pumpkins' grandiloquence in favor of stripped-back pop/rock melodies.) The second Jeevas album, I have to admit, was a boring disaster, seemingly just put together to protest against Bush and the war in Iraq. Then last year, Kula Shaker announced it was returning, releasing a 4-song EP called The Return of the King of which I kinda liked 2 songs and disliked the other 2; none of them held a candle to anything on their first 2 records, the obvious missing factor being (despite its title) the pretentiousness that had propelled them so much when they started out. They played a few shows last year, and I was lucky enough to see them play at the Purple Weekend festival in León, Spain; it was an amazing show and although they barely played any new material, I was genuinely excited with the possibilities that were on display. | |||
| Y finalmente arribó: Strangefolk. En algún lugar entre Kula Shaker y The Jeevas, no es ni uno ni lo otro. Es Kula Shaker en que tiene la psicodelia, las armonías hindúes y las ocasionales letras en sánscrito y tópicos espirituales, pero es Jeevas en que las canciones son mucho más convnencionales en su estructura estrofa/estribillo/estrofa/estribillo... y en que las canciones sencillamente no son tan buenas. Déjenme digo primero lo que más me fastidió: las dos canciones del EP The Revenge of the King que decidieron re-grabar e incluír aquí son las dos que no me gustaban, no las dos que más o menos sí. Y aún más decepcionante es que decidieron regrabar "Narayan", una canción de The Fat of the Land de Prodigy de hace más de 10 años que Crispian co-compuso y en la que cantaba, pero es una versión muy floja comparada con la poderosa, feroz y amenazante--inmejorable--versión de Prodigy. (Sin embargo, sí tiene un punto dulce para mí: Kula Shaker la mezcló con "Climbatize", otra canción de The Fat of the Land, y yo justamente mezclé esas mismas dos canciones en el primer 'mix-CD' que hice, The Land of the Phat, ¡hace más de 7 años!) Así que, nomás ahí, tenemos tres canciones que ni siquiera son "nuevas". Agrégale que la canción que da título al disco, que es más bien un especie de "intermedio", inevitablemente recuerda a "Fitter, Happier" de Radiohead, y es difícil no sentir que se han quedado sin combustible. En consecuencia, rara vez pasaba de las primeras canciones del disco antes de cansarme o fastidiarme y pasar a escuchar otra cosa. | So it finally arrived: Strangefolk. Somewhere in between Kula Shaker and The Jeevas, it's neither. It's Kula Shaker in that it has the psychadelia, the Indian harmonies and occasional lyrics in sanskrit and spiritual topics, but it's Jeevas in that the tunes are much more conventional in their verse/chorus/verse/chorus structures... and in that the songs just aren't that good. Let me first point out what really ticked me off: the 2 songs of The Revenge of the King EP they decided to re-work and include here are the two I hated, not the two I kinda liked. And even more disappointing is that they also re-recorded "Narayan", a song off Prodigy's Fat of the Land which Crispian co-wrote and sang on 10 years ago, but it's a very flimsy take compared with Prodigy's powerful, fierce and menacing--unimprovable--original. (The sweet point here for me was that Kula Shaker mixed it up with "Climbatize", another song off The Fat of the Land, and I actually mixed those two same songs on the very first mix CD I ever made, The Land of the Phat, over 7 years ago!) So, just there, we have 3 songs that aren't even "new". On top of that, the title track, which is more like an "intermission", inevitably brings to mind Radiohead's "Fitter, Happier", which can't help but make you feel they've run out of gas. In consequence, I rarely made it past the first few songs of the record before getting tired and/or annoyed and switching to something else. | |||
| Quizás porque aún no sale de la lista de canciones 'Recientemente Añadidas', el tener mi iPod en modo shuffle hizo que comenzar a notar las canciones que están justo después del punto medio del disco: más lentas y reflexivas, con melodías que enganchan y secciones específicas que realmente destacaban y me hacían oprimir el botón de rewind cada 30 segundos, como el orgasmo de órganos a la mitad de "Hurricane Season" o las ligeras variaciones después del segundo estribillo en "Fool That I Am". Y luego está, por supuesto, esa melodía que no puedo evitar cantar cada vez que comienza "Ol' Jack Tar": "Golden horizon... hope of the sea... a breeze... calling me back to my love...". Como suele suceder conmigo, las letras son lo último que capto, y hasta ahora, me entristece decir que van en el mismo sentido que la música (esto es, no tan buenas como antes); no he reconocido alguna letra realmente emocionante o inspiradora, pero sí he notado varias ingenuas o simplistas ("I'm a dick/I'm a dick/I'm a dictator/of the free world"). | Maybe because it hasn't made it out of the 'Recently Added' playlist, having my iPod in shuffle mode made me start noticing the songs right after the album's mid-point: slower, moodier songs with engaging melodies and small, specific sections that really stand out and had me going for the rewind button every 30 seconds, like the organ orgasm in the middle of "Hurricane Season" or the slight variations after the second verse in "Fool That I Am". Then, of course, there's that melody I can't stop myself from singing along to in "Ol' Jack Tar": "Golden horizon... hope of the sea... a breeze... calling me back to my love...". As is usual with me, the lyrics are the last thing I notice, and so far, I'm sad to say they seem to have gone the same route as the music (as in, not as good as before); I haven't spotted any exciting, inspiring lyrics, but have noticed some pretty naive, simplistic ones ("I'm a dick/I'm a dick/I'm a dictator/of the free world"). | |||
Todo considerado, no es un album terrible, pero tampoco es uno que será advertido por mucha gente (a menos que sea para burlarse de él). Les dejo con una gemita poco conocida de 2 minutos y medio que refuerza la idea de que el mejor momento de Kula Shaker fue justo cuando despegaron de la plataforma de lanzamiento, hace ya más de 10 años. Es una dulce y emotiva pieza acústica interpretada sólo con una guitarra y está en el espíritu de las canciones del nuevo disco, tanto en tono y temática, pero con una letra y melodía bastante por encima. La cosa es que esto era lo que antes sacaban como lados-b, no como discos enteros. Drop In the Sea | All in all, not a terrible album, but not one that will get noticed by a lot of people (unless it's to poke fun at). I'll leave you with a little-known 2-and-a-half-minute gem that reinforces the thought that Kula Shaker's finest moment was when they were barely off the launching pad, over 10 years ago now. It's a sweet, emotive, acoustic piece played with just one guitar and is more in the spirit of the songs on the new album, both in tone and theme, but still has way better lyrics and a better melody. Thing is, this was what they used to release as b-sides, not full albums. Drop In the Sea | |||
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Friday, July 27, 2007
Album commentary: Pacífico Fly - Al Borde
| Pacífico Fly Al Borde | |||
Allá por febrero estaba viendo la página de MySpace de alguna banda valenciana y vi que otro grupo llamado Pacífico Fly les había dejado "saludos desde México" y me brinqué a su Space para ver qué onda y me puse a escuchar las canciones en su player. Debo reconocer que lo primero que me llamó la atención fueron la gran cantidad de asociaciones que hice de inmediato con U2, y siendo la vaca sagrada que son para mí, era territorio delicado. El sonido de la guitarra era obviamente el mismo que el de The Edge, la voz del cantante tenía ese punto de rotura y agotamiento (pero no cansancio) de Bono, los coros en los estribillos y los gritos para rematar las canciones, el bajeo sosteniendo las estrofas, el ocasional destello de sintetizadores... pero no sólo habían paralelos sónicos. Las imágenes que evocan sus letras eran semejantes también--cuando no eran casi traducciones: en "Como se vive se muere" declaman "Entre más cerca estás de la luz, más grande es la sombra", que se parece bastante a ""From the brightest star comes the blackest hole" (de "Crumbs From Your Table"); en "Placebo" afirman "Estamos inflamados de ego", cuando lo primero que se escucha a Bono decir en el primer sencillo que existió de U2 ("A Day Without Me") fue "Starting a landslide in my ego"; y no necesito decirles a qué nos recuerda "Galopando" cuando dicen "Siempre tan lejos y tan cerca". Podría seguir con muchas cosas más sutiles, como que en este debut hay una canción llamada "Océanos" y en el de U2 había una llamada "The Ocean", y plantear la pregunta de si esta "mosca del pacífico" será un "homenaje" tropical al primer alter-ego popular de Bono, "The Fly". Pero no quiero que parezca que quiero machacar a los chavos de esta banda, a quienes no conozco y sin embargo, de tanto escuchar su disco en los últimos meses, tengo en alta estima, porque a pesar de estarse moviendo dentro de lo que parecieran confines tan limitados, han escrito un conjunto de canciones fenomenales y redondas, pero más importante aún, que no son ni copia--ni homenaje siquiera--a las canciones de la banda irlandesa, sino canciones tan épicas y emotivas que se sostienen por sí mismas. Al principio, el estar identificando y reflexionando acerca de todas las "referencias" me impedía disfrutar completamente las canciones que realmente estaba escuchando, pero con el paso de los meses todas las canciones de este disco han echado raíces firmes y ahora tengo otra perspectiva de este disco: lo veo no como una imitación de U2, sino como el disco en español que U2 podría haber grabado si se hubiera puesto a ello. Y aún en el caso de que fuera imitación, copia, fusil o lo que fuese... no fue la mismísima mamá mosca la que dijo, "Every artist is a cannibal / Every poet is thief" ? | Back in February I was checking out the MySpace page of some band from Valencia and I noticed another band named Pacífico Fly had left them a "greetings from Mexico" message and I jumped to "theirSpace" to see what they were about and started listening to the songs on their player. I must admit that the very first thing that drew my attention was the great amount of references I immediately made with U2, and being the sacred cow they are for me, this was delicate territory. The guitar sound was obviously the same as The Edge's, the voice had that same touch of fracture and fatigue (but not weariness) as Bono's, the (vocal) choruses behind the (song's) choruses and the yowling as the songs came to a close, the bass lines providing support to the verses, the occasional sparkle of a synthesizer... but there weren't just sonic parallels. The images evoked by their lyrics are similar as well--when not almost direct translations: in "Como se vive se muere" they declare "Entre más cerca estás de la luz, más grande es la sombra", which is a lot like ""From the brightest star comes the blackest hole" (from "Crumbs From Your Table"); in "Placebo" they state "Estamos inflamados de ego", when the first thing Bono says on the first-ever U2 single ("A Day Without Me") was "Starting a landslide in my ego"; and I don't need to tell you what "Galopando" reminds us of when they say "Siempre tan lejos y tan cerca". I could go on with a lot of subtler things, like the fact that on this debut there's a song called "Océanos" and on U2's there was one named "The Ocean", and posing the question if this "fly from the Pacific" is a tropical "homage" to Bono's first popular alter-ego, "The Fly". But I don't want it to look like my intention is to slam the guys in this band, whom I've never met and somehow, after listening to their record so much the last few months, I feel I've come to develop esteem for, because despite moving within what would seem so limited confinements, they've wrote a set of phenomenal, accomplished songs, but more importantly, that are not a copy--or even a homage--to the songs of the Irish band, but rather songs that are so epic and emotive that they stand on their own. In the beginning, identifying and reflecting on all these "references" prevented me from truly enjoying the songs I was actually listening to, but over the months the songs have grown on me and now I have another perspective on this record: I see it not as an imitation of U2, but rather as the Spanish album U2 would have recorded if they ever got around to it. And even if it were an imitation, copy, rip-off or whatever... wasn't it The Fly himself who said, "Every artist is a cannibal / Every poet is thief" ? | |||
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Labels: Album Commentary, CD Review, Pacifico Fly, Rock-en-espaniol
Friday, July 20, 2007
Album Commentary: White Stripes - Icky Thump
| The White Stripes Icky Thump | |||
La primera vez que vi/escuché a los White Stripes fue en MTV; estaban tocando "Fell In Love With A Girl" en Times Square o algo y fue cuando vi que eran un chico y una chica y que traían esta movida de vestir como caramelos navideños. Fue en la apoteosis de la era de las bandas "The" (The Strokes, The Hives, The Vines, etc.) y no puedo decir que me hayan impresionado mucho. Un año o dos después vino la locura de "Seven Nation Army" y ya no recuerdo si fue por esa canción o por la insistencia de un colega que escuché Elephant y el impacto fue tremendo e inmediato... especialmente por el supuesto de que (en principio) había sido grabado por, pues eso, un chico con una guitarra y una chica en una batería modesta, sobre 10 días sin o con poca producción. La cruda energía de "Black Math" y "Hypnotize", las asombrosas armonías vocales de "There's No Home For You Here", la trastornada ternura de "I Just Don't Know What To Do With Myself", la pulcritud de "In the Cold, Cold Night", el respiro acústico dado por "You've Got Her In Your Pocket", el blues burdo de "Ball and Biscuit", el ritmo pegajoso de "Hardest Button to Button", la introducción cómico/satírica y la línea de bajo distorsionada de "Little Acorns", la letra ingeniosa y el riff roquero de "Girl, You Have No Faith In Medicine" y el espíritu de "vamos solamente a divertirnos por un rato" de la canción que concluye el disco, "It's True That We Love One Another", hace fácilmente comprensible por qué este disco fue elegido el mejor de 2003 por numerosas publicaciones. Mi admiración por Jack White sólo siguió creciendo al ver cómo parecía estar siempre trabajando en múltiples, casi concurrentes, proyectos: produjo el álbum de resurrección de Loretta Lynn, colaboró en el soundtrack y actuó en Cold Mountain, y no sé cuántas cosas más. Get Behind Me Satan, de 2005, resultó desconcertante para mi y supongo que para muchos de sus fans; ¿fue la introducción de pianos y marimbas (¿¡!?) una "exploración musical" o una carencia de ideas? Porque, desafortunadamente, la colección de canciones en sí resultó mucho menos atractiva de lo que habían hecho en el pasado. La voz de Meg, por ejemplo, que en Elephant fue una agradable sorpresa, aquí resultó algo repelente. | The first time I saw/heard The White Stripes was on MTV; they were playing "Fell In Love With A Girl" at Times Square or some place like that and that's when I saw it was a boy and a girl and they had this cinammon-candy gimmick going on. It was in the height of the "The" band period (The Strokes, The Hives, The Vines, etc.) and I can't say I was too impressed. A year or two later came the "Seven Nation Army" craze and I can't remember if it was because of that song or the insistence of a co-worker that I gave Elephant a listen and was immediately blown away... specially by the thought that this had been (in principle) recorded by, well, just a guy with a guitar and a girl on a simple drum kit, over 10 days with little or no production. The raw energy of "Black Math" and "Hypnotize", the amazing vocal harmonies of "There's No Home For You Here", the twisted tenderness of "I Just Don't Know What To Do With Myself", the slickness of "In the Cold, Cold Night", the acoustic respite of "You've Got Her In Your Pocket", the no-BS blues of "Ball and Biscuit", the infectuouos groove of "Hardest Button to Button", the campy intro and fuzzy line of "Little Acorns", the ingenious lyrics and rocking riff of "Girl, You Have No Faith In Medicine" and the "let's all just have fun for a while"-spirit of closer "It's True That We Love One Another" makes it easy to see why this long-and-lean album was most publications' record of 2003. My admiration for Jack White only kept growing as I witnessed how he never seemed to stop working on multiple, almost parallel, projects: producing Loretta Lynn's comeback album, partially musicalizing and acting in Cold Mountain, and who knows what else. 2005's Get Behind Me Satan was disconcerting for me and I suppose a lot of his fans; was the introduction of pianos and marimbas (what the...?) a musical exploration or the result of a lack of ideas? Because, unfortunately, the collection of songs themselves seemed much less appealing than what they'd offered in the past. Meg's singing, for example, that on Elephant was a pleasant surprise, sounded a bit repelling here. | |||
| En su habitual estado de "sin tiempo para descansar", en 2006 Jack se casó y tuvo una hija, pero aún encontró tiempo para fundar, grabar y salir de gira con The Raconteurs. Y ahora tenemos el 6o álbum de estudio The White Stripes, Icky Thump; lo primero que llama la atención es que por primera vez, el rojo no es la tonalidad predominante en la portada. Otra vez, nuevos instrumentos y sonidos son incorporados (trompetas de mariachi y gaitas, en este caso), y me quedo pensando, ¿son éstas únicamente auto-complacencias, intentos premeditados de hacer algo "diferente", o el resultado genuino de escribir canciones con estos instrumentos en mente? Cualquiera que sea la respuesta, debo admitir que le envidio a Jack el talento, la productividad y el valor de no ceder a expectativas. Considerablemente mejor que Satan pero aún lejos de la grandiosidad de Elephant (o cualquiera de los discos que le precedieron, la verdad), es un álbum errático, las mejores canciones siendo un puñado de pistas de blues/roots-rock que demuestran su habilidad con la guitarra y se han vuelto su distintivo ("Little Cream Soda", "Rag and Bone", "Catch Hell Blues", "Bone Broke"); "Icky Thump" estaría entre ellas, también, pero con el añadido de unos pedales de efectos muy interesantes que dan a las guitarras un efecto sintético que es sorprendentemente efectivo, y hacen que los mensajes políticos en la letra sean aún más punzantes. "Conquest" no me entusiasma mucho, pero incluyo la canción aquí porque me gusta la alternancia de vientos y guitarras justo después del punto medio de la canción, rodeado de alaridos flamenquescos y arreglos al estilo de Morricone mientras relata un duelo entre los sexos. El gaitero invitado toca su instrumento en dos pistas que, si no estás poniendo atención, suenan a una, "Prickly Thorn, But Sweetly Worn" y "St. Andrew (The Battle Is In The Air)"; estas son más en el estilo de la otra vena recurrente de Jack White, el hillbilly/bluegrass (música folklórica americana) del siglo 19... con el añadido del viaje psicodélico de la segunda de las dos pistas. La noción de una canción de bluegrass psicodélica con gaitas y una voz robótica escipiendo palabras aleatorias puede ser inquietante, pero la verdad es que es una canción divertida; y cuando lo piensas, eso es verdad para casi todas las canciones de los White Stripes. | In his usual no-time-for-rest fashion, 2006 saw Jack getting married and having a daughter, but still finding time to found, record and tour with The Raconteurs. And now we get The White Stripes' 6th studio album, Icky Thump; the first thing that catches our eye is that for the first time, red is not the predominant hue on the cover. Again, new instruments and sounds are incorporated (mariachi horns and bagpipes), and I'm left wondering, is this just self-indulgence, a deliberate attempt to do something "different", or the result of actual songs written with those instruments in mind? Whatever the answer may be, I still have to admit I'm envious of Jack's talent, productivity and plain courage to not give in to expectations. Significantly better than Satan but still far from Elephant's greatness (or any of its preceding albums, really), it's an erratic album, the best songs being a handful of blues/roots-rock tracks that showcase his guitar playing and have become his trademark ("Little Cream Soda", "Rag and Bone", "Catch Hell Blues", "Bone Broke"); "Icky Thump" is in this field, as well, but with the addition of a cool set of effect pedals that give the guitars a synthetic sound that is startlingly effective, and help make the political statements in the lyrics only more piercing. I'm not too crazy about "Conquest", but I included the song here because I like the horn/guitar interplay right after the song's mid-point, surrounded by flamenco-ish howls and Morricone imagery depicting a showdown between the sexes. The guest bagpiper plays his horn on two tracks that, if you're not paying attention, sound as one, "Prickly Thorn, But Sweetly Worn" and "St. Andrew (The Battle Is In The Air)"; these are more in the spirit of Jack White's other recurrent vein, 19th-century hillbilly/bluegrass... with the addition of the trippy psychadelia that makes up the second of the two tracks. The thought of a psychadelic bluegrass song with bagpipes and a robotic voice spitting one-liners may be unsettling, but it's actually fun to listen to; and when you think of it, that holds true for most of The White Stripes' songs. | |||
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Thursday, July 05, 2007
Album Commentary: Merz - Merz
| Merz Merz | |||
No toda la música que he estado escuchando recientemente es reciente. Hace algunas semanas me bajé el primer (y homónimo) disco de Merz de su sitio de web por 7 módicas libras. El disco original, que salió en 1999 o 2000 (ahora mismo no lo recuerdo), tenía sólo 10 pistas, pero en marzo de este año se reeditó en una edición de 2 discos, el bonus disc portando un puñado de temas nuevos y dos puñados de remixes. Me enganché a él cuando escuché "Postcard from a Dark Star" en el podcast de KCRW, Today's Top Tune, y, a pesar de su simplicidad, no podía dejar de escucharlo por varios días; desarrollé tanta fe en su talento escuchando solamente esa canción que me compré el disco de Loveheart sin escucharlo antes y habría sido fácilmente mi disco favorito de 2006, de no habérseme cruzado en el camino más tarde ese mismo año la discografía de Josh Rouse. Así que cuando su primer disco fue reeditado, no dudé en comprarlo, y no hay arrepentimientos. No quiero ponerme muy elegante en la descripción de su música, pero cuando tienes a alguien tan inovador como él, es difícil hablar en términos planos. Lo veo como un cantaautor del siglo 21; un artista folk no solamente sin miedo a usar los sonidos y las técnicas disponibles en nuestra era, pero esculpiendo esos ruidos para crear sonidos hermosos. Trata de imaginar si Beck hubiese grabado Sea Change no con guitarras acústicas, sino con los samplers a los que estamos más acostumbrados escucharle trinquetear. No agraciado con una voz muy sosegante, lo compensa con expresión, confianza y sinceridad. Quisiera que hubieran más artistas como él que hacen cosas que en realidad no se han escchado antes. Coldplay fuueron citados una vez diciendo, "Merz suena como nadie más en este mundo y el mundo estaría bien si no escuchara a nadie más... Amamos lo que hace." | Not all of the music I've been listening to recently is actually recent. A few weeks ago I downloaded Merz's first (and eponymous) album off his website for a cool 7 quid. The original record, released in either 1999 or 2000 (can't remember right now), only had 10 tracks, but in March of this year it got re-issued as a 2-CD edition, the bonus disc carrying a handful of new songs and two handfuls of remixes. I first got hooked on him when I heard "Postcard from a Dark Star" on the KCRW Today's Top Tune podcast and, despite it's simplicity, couldn't stop listening to it for several days; I developed so much faith in his craft from listening to just this one song that I purchased the Loveheart album without listening to it and it would have easily been my favorite record of 2006, had I not stumbled upon Josh Rouse's discography later that year. So when his first CD got re-issued I had no hesitation in buying it, and I was not disappointed. I don't want to get too fancy in my description of his music, but when you have someone as innovative as this, it's hard to describe in plain terms. I see him as a "singer-songwriter" of the 21st century; a folk artist not only not afraid to use the sounds and technology available to him in our age, but sculpting those noises to create beautiful sounds. Try to imagine if Beck had recorded Sea Change not with acoustic guitars, but rather with the samplers we're more used to hearing him fiddle with. Not gifted with a soothing voice, he makes up for it with expression, confidence and earnestness. I only wish there were more artists like him that actually make things that don't sound like anything you've heard before. Coldplay were once quoted as saying, "Merz sounds like nobody else in the world and the world would be alright if it listened to nobody else... We absolutely love him." | |||
| El bonus disc tiene una versión de "orquesta y banda de percusiones" de "Blues Became" que me ha gustado tanto como la original. Estoy subiendo ambas versiones al blog porque me resulta muy interesante como la canción en sí--el ritmo y la melodía básicas, supongo--se sostiene sola, ya sea con secuenciadores, samplers y sintes debajo (como en la versión original) o una orquesta, coro y banda de percusiones (como en la versión alterna). Si te gusta lo que escuchas, ¡apoya al artista! http://www.merz.co.uk | The bonus CD has an "orchestra and drum band" version of "Blues Became" which I like as much as the original. I'm uploading both versions to the blog because I find it very intersting how the actual song--basic rhythm and melody, I suppose--stands on its own, whether it has sequencers, samplers and synthesizers underneath it (like in the original version) or an orchestra, choir and drum band (as in the alternate version.) If you like what you hear, support the artist! http://www.merz.co.uk | |||
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Tuesday, July 03, 2007
Album Commentary: Wilco - Sky Blue Sky
| Wilco Sky Blue Sky | |||
Otra reseña directa al grano de un disco sólido lanzado por una banda madura en mayo. Comencé a escuchar a Wilco, casi por accidente, apenas después de que saliera A Ghost Is Born a finales de 2004; la etiqueta de "alt-country" que se les había otorgado actuó como una especie de repelente hasta entonces. Ghost es cualquier cosa excepto country; en particular, aluciné con cómo tocaba la guitarra Jeff Tweedy, que no encuentro palabras para describir, lo más parecido que se me ocurre es cómo Jimi Hendrix se fundía con el instrumento para crear sonidos que eran como un alarido pero que a la vez contenían una gran belleza. Me di un clavado en su catálogo, me volví un fan, y desde entonces he podido disfrutarlos en directo un par de veces. Se dijeron muchas historias alrededor de los anteriores dos discos de Wilco, notoriamente su pelea con su discográfica y las migrañas, adicciones a medicamentos y posteriores desintoxicaciones de Tweedy, que al parecer dieron lugar a estos discos algo atormentados. Fotos recientes lo muestran muy sonriente casi todo el tiempo, y Sky Blue Sky en definitiva refleja un estado de mucha mayor paz y tranquilidad para él y la banda. Aún y cuando el disco es mucho más directo y accesible que sus discos anteriores, no ceden a fórmulas o melodías simples, y mientras las exhibiciones de angustia pueden haberse marchado, siguen poniendo todo su peso detrás de todas y cada una de las canciones; escucha "You Are My Face". Es un poco gracioso que con Nels Cline--siendo el guitarrista no-convencional y avant-garde que es--ahora en la nómina de la banda, parecen haber retractado a un sonido menos "experimental"; visto desde otra perspectiva, quizás esa sea la razón que estas canciones, aparentemente sencillas, adquieren tanta profundidad. "Trataré de entender / que todo tiene un plan / de un modo o de otro" | Another no-beating-around-the-bush review of a solid album from a mature band released in May. I only started listening to Wilco, almost accidentally, after A Ghost Is Born came out in late 2004; the "alt-country" label pinned on them had acted as a sort of repellent up until then. Ghost was anything but country; I was particularly blown away by Jeff Tweedy's guitar playing, which I can't find words to describe, the closest thing coming to mind being Jimi Hendrix's melding with the instrument into moments that are at the same time screeching and beautiful. I delved into their back catalog, became a fan, and have since enjoyed them live twice. Lots of stories were told around Wilco's two previous studio albums, most noticeably their battles with their labels and Tweedy's migraines, painkiller addictions, and subsequent detox, which seem to have resulted in these rather tormented albums. More recent pictures show him smiling most of the time, and Sky Blue Sky definitely reflects a more peaceful state of affairs for him and the band. Although more direct and accesible than their other recent releases, they don't give in to easy formulas or melodies, and while the exhibitions of anguish may be gone, they still put all their weight behind every and each one of the songs; listen to "You Are My Face". It's somewhat funny that with Nels Cline--being the unconventional, avant-garde guitarist he is--now on the payroll, they seem to have rolled back a bit into a less "experimental" sound; seen from another persepective, maybe that's why these apparently simple songs acquire so much depth. "I will try to understand / everything has its plan / either way" | |||
Labels: Album Commentary, American indie, CD Review, Wilco
Monday, July 02, 2007
Album Commentary: Travis - The Boy With No Name
| Travis The Boy With No Name | |||
Trataré de hacer esta reseña breve. Travis sacó un disco nuevo en mayo, y probablemente pasará desapercibido, lo cual es al mismo tiempo una pena y lo que se merecen, porque han afinado la artesanía de escribir canciones al punto que son tan buenas que no interfieren con lo que pudieras estar haciendo en cualquier momento dado, pero al mismo tiempo no quieres dejar de escucharlas. No le quiero llamar música de fondo, pero definitivamente he pasado mucho tiempo escuchando este disco mientras hago otras tareas, y me ha resultado difícil elegir cuatro canciones porque cada una es tan buena como la que le sigue... sin que ninguna sea tan buena como casi cualquier canción en su disco de 1999 The Man Who, que muchas revistas británicas consideraron el mejor disco de ese año. Sí es mucho mejor que 12 Songs, su anterior disco de estudio. Si te gustó The Man Who o The Invisible Band, pronostico que te agradará este retorno a ese estilo; si nunca has escuchado a Travis pero te gustan bandas como Coldplay, Keane o Snow Patrol, este disco será tu mero mole, siempre y cuando puedes tolerar un lloriqueo casi femenino de vez en cuando; Travis simplemente no ha tenido una canción que sea un exitazo (como "Clocks", por ejemplo) que dé lugar a que la gente escuche el resto de sus canciones--aunque "Why Does It Always Rain On Me?" estuvo cerca. | I'll try to keep this review short and sweet. Travis released a new record in May, and it will probably go pretty much unnoticed, which is at the same time a shame and sort of what they deserve, because these guys have fine-tuned the craft of songwriting to the point where the songs are so good they become unobtrusive with whatever you happen to be doing at any give time, but at the same time you don't want to stop listening to them. I don't want to call it background music, but I have definitely spent a lot of time listening to this record while doing other stuff, and have found it difficult to pick four songs because they're all as good as the next... without any of them being as good a almost any song on 1999's The Man Who, which many magazines in the UK called the best record of that year. It is leaps and bounds better than 12 Songs, their previous studio album. If you liked The Man Who or The Invisible Band, I expect you to be pleasantly surprised by this slight return to form; if you never heard Travis before but like bands like Coldplay, Keane or Snow Patrol, this is up your alley, if you can tolerate a bit of girlish boo-hooing once in a while; Travis just hasn't had the blockbuster single the other bands have had (think "Clocks") that have made people buy their records and listen to the rest of their songs--although "Why Does It Always Rain On Me?" came close. | |||
Labels: Album Commentary, British indie, CD Review, Travis
Tuesday, June 26, 2007
Album Commentary: Arcade Fire - Neon Bible
| The Arcade Fire Neon Bible | |||
Tengo pendiente esta reseña desde hace buen tiempo ya. Cuando salió a principios de marzo, era definitivamente uno de los discos más anticipados de este año, después de que alabanzas universales cobijaran Funeral, el CD con el que debutaron en 2004. Los segundos discos siempre se usan para medir el "verdadero talento" de las bandas con debúts exitosos, y Neon Bible ha venido a demostrar que Funeral no fue ningún accidente. Aunque me tomó dos o tres semanas el comenzar a apreciarlo realmente, se ha vuelto fácilmente en mi disco favorito en lo que va del año--y esto en la primer mitad de un año que ya ha visto muchos discos mejores que todos los del 2006 juntos. Joder, si hasta he pagado dos veces (una vez on-line, luego por el CD) por al menos tres discos este año ya. Pero ese será el tópico de otra nota. | This review has been long in the coming. Released in early March, it was ceratainly one of the most anticipated releases of this year, after universal praise blanketed Funeral, their debut CD from 2004. Sophomore releases are always used to gauge the "true talent" of bands with succesful debuts, and Neon Bible has come to show Funeral was no accident. Although it took me two or three weeks to warm up to it, it has easily become my favorite record released this year so far--and the first half of this year has already seen the release of many more better albums than the full of 2006 did. Shit, I've actually payed twice (once on-line, then again for the disc) for at least three records this year already. But that'll be the topic of another entry. | |||
| ¿Por dónde comenzar? ¿Digo solamente que no recuerdo haber visto nunca antes tantas evaluaciones de cinco estrellas para un disco, la Q de abril yendo tan lejos como llamarlo "el disco del año" (¡en el primer trimestre!)? ¿O que la tira de cómic "Hit Emocional" de la Rockdelux de abril--que usualmente trata de alguna canción de décadas atrás y cómo influyó en la vida del caricaturista--por primera vez fue de una canción recién salidita de la fábrica? ¿O simplemente repito lo que escribí cuando hice mi reseña de Funeral: desde los días de James no escuchaba música tan catártica? Porque este ha resultado ser uno de esos discos que puedo escuchar una y otra vez y seguirme emocionano con él cada vez. Siempre he dicho que soy alguien a quien le atrae más la música que la letra de una canción, pero hay un factor que no es ni letra ni música que suelo olvidar: la emoción, y es probablemente lo que más me atrae a una canción. Hay un mundo de diferencia entre escuchar a alguien con una voz bonita alcanzar las notas correctas, y olvidarse de uno mismo para convertirse en la persona detrás de los altavoces. | Where to begin? Should I just say that I don't remember ever seeing a CD released to so many 5-star reviews, April's Q even going as far as naming it "record of the year" (in the first quarter!)? Or that the "Hit Emocional" comic strip in April's Rockdelux--which usually deals with a song from decades past and the impact it had in the cartoonist's life--for the first time was about a song on a CD fresh out of the factory? Or should I just repeat what I said when I reviewed Funeral: not since the days of James had I heard music that was this cathartic? Because this is a record I can listen to once and again and still get excited about it. I've always said I am more a "melody person" than a "lyrics person", but there's a factor that's not related to music or words I keep forgetting: "emotion", and it's probably what pulls me in the most into a song. There's a world of difference between listening to someone with a nice voice hit the right notes, and forgetting who you are to become the person behind the speakers. | |||
| Como dije antes, este no fue uno de esos discos que me atrapó a primera escucha. Una cosa que no podía entender era por qué el sonido estaba tan opaco, como si no se hubiera hecho gran esfuerzo a la hora de producir y mezclar el disco. E incluso ahora me pregunto si el disco se sentiría diferente si el sonido fuera más brillante, pero quizás este era el sonido que estaban buscando, uno que no fuera muy pulido, obligando a las canciones a valerse únicamente de las composiciones mismas. Quizás Arcade Fire está en ese lugar cómodo en el que son lo suficientemente maduros para saber lo que deben hacer pero aún son lo suficientemente jóvenes para no importarles. Está claro que han madurado desde Funeral, mostrando arreglos mucho más ricos y yendo tras temas de más peso, pero aún tienen la ingenuidad necesaria para cantar como adolescentes despreocupados en "Black Wave" o decir cosas como "Conozco un lugar / al que no llega ningún coche". | As I said before, this wasn't one of those records that pulled me in the first time I listened to it. One thing I couldn't wrap my head around was why it sounded somewhat muffled, as if not much care were taken at the production and mixing stages. And even now I wonder if it would feel different if the sound were brighter, but maybe this is the sound they were going for, one that wasn't too polished, forcing the songs to rely on the compositions themselves. Maybe Arcade Fire are in that sweet spot where they're old enough to know but young enough to not care. They've certainly matured since Funeral, displaying much richer arrangements and tackling heavier themes, but they're still naive enough to sing like affected teenagers in "Black Wave" or say things like "I know a place / where no cars go". | |||
| La música es en ocasiones intensa, en otras rimbombante, de vez en cuando espiritual, pero siempre bella y conmovedora. Podría decir que Funeral tiene un puñado de canciones mejores que cualquier tema en Neon Bible, pero también tiene valles más profundos. Bible es mucho más consistente, en la calidad de sus canciones, en las temáticas y en cómo está hilado. Supongo que podría escribir un párrafo de cada canción, desmenuzándolas en busca de todos los detallitos musicales y letrísticos, pero no podría hacerles justicia. De nuevo, su poder radica en las emociones que despiertan. El mejor ejemplo de todo lo anterior puede encontrarse, creo yo, en el suite compuesto por "Black Wave/Bad Vibrations", lo que parecen ser dos temas colocados como una sola pista en el CD; debido a que me gusta tanto cómo se funden con "Ocean of Noise"--son fácilmente las tres canciones que más he escuchado en lo que va del año--he hecho un solo archivo con los tres temas para este blog. | The music is at times intense, sometimes bombastic, occasionally spiritual, but always beautiful and moving. I supppose Funeral may have a handful of tracks that could be considered better than any song on Neon Bible, but it also has greater valleys. Bible is much more consistent, in the quality of the songs, in its themes and in how it's strung together. I suppose I could go on writing a paragraph for each song, pulling them apart in search of all their musical and lyrical nuances, but I wouldn't be able to do them justice. Again, their biggest strength lies in the emotions their music ignites. The best example of all of the above can be found, I believe, in the suite composed by "Black Wave/Bad Vibrations", what would seem to be two songs placed into one track on the record; because I like how they flow into "Ocean of Noise" so much--they are easily the three songs I've listened to the most this year--I've made a single track with all three songs for the purposes of this blog. | |||
| El precio promedio de este CD en España es de alrededor de 18 euros, así que no tuve que pensármelo mucho para comprarme el disco en iTunes por 10 dólares. Después de escucharlo tanto, terminé gastándome alrededor de 25 euros por la "edición especial", que incluye una biblia de neón animada en la carátula y un par de flipbooks (libritos que al pasar las páginas rápidamente muestran animaciones; ¿cómo se llaman en español?) También me gustó el detalle de que la tipografía y la maquetación usada para las letras de las canciones es similar al de la mayoría de las biblias. | The average price of the CD in Spain is around 18 euros, so buying it in iTunes for 10 bucks was a no-brainer. After listening to it so much, I ended up shelling out close to 25 euros for the "special edition", which includes an animated neon bible on the front and a couple of flipbooks inside. I also liked the fact that the type and presentation they used for the lyrics is the same as used in most bibles. | |||
| Hace algunos años leí un artículo sobre Radiohead en el que decían que eran "raros, arrogantes, sinceros, y creaban belleza--como todas las grandes bandas de rock deben ser". No sé mucho acerca de la arrogancia de Arcade Fire, pero si reemplazamos ese adjetivo con el no-muy-disímil ambiciosos, ciertamente son una gran banda. | A few years back I read an article on Radiohead that said they were "weird, arrogant, earnest, and beautiful--what all great rock bands should be". I don't know much about Arcade Fire's arrogance, but if we replace that item in the list with the not-too-dissimilar ambitious, they certainly fit the description of a geat band. | |||
Labels: Album Commentary, American indie, Arcade Fire, CD Review
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